Programa 2026
Consulteu el programa complet de la sisena edició del Festival Cap Rocat .
Divendres, 31 de juliol de 2026
Recital
Repartiment
Tenor Juan Diego Flórez
Pianista Vincenzo Scalera
“Malinconia, nimfa gentile”
“Vaga lluna che inargenti“
“La ricordança”
Vincenzo Bellini
“La lontananza”
“L'esule”
“Une bagatelle” —de Péchés de vieillesse (per a piano sol)
Gioachino Rossini
"Ah! Rammenta, o bella Irene"
Gaetano Donizetti
“Sì, ritrovar-la io giuro” —de La cenerentola
Gioachino Rossini
INTERMEDI
“Bella enamorada” —de L'últim romàntic
Reveriano Soutullo i Juan Vert
“Sona, guitarric meu” —d'El guitarric
Agustín Pérez Soriano
“Aquí hi ha qui el té… Al mateix rei del moro” —de L'alegria del batalló
José Serrano
Mazurka Glissando —per a piano sol
Ernesto Lecuona
“Pourquoi em réveiller ?” —de Werther
Jules Massenet
“L'amour !… Ah, lleve-toi, soleil” —de Roméo et Juliette
Charles Gounod
Berceuse —de Jocelyn (arranjament per a piano sol)
Benjamin Godard
-
Aquest concert proposa un ampli recorregut per la tradició lírica europea, des del refinament del bel cant rossinià fins a la passió verdiana i el lirisme popular de la sarsuela espanyola. El fil conductor és la figura del tenor, protagonista d'algunes de les pàgines més exigents i emocionants del repertori operístic, capaç d'encarnar l'heroi romàntic, l'amant apassionat, el somiador idealista o el galant popular.
El programa està concebut com un viatge estilístic que mostra l'evolució del llenguatge vocal i teatral al llarg del segle XIX i principis del XX, combinant el virtuosisme del bel canto amb la intensitat dramàtica del romanticisme i la proximitat expressiva del teatre líric espanyol.
Primera part: Rossini i l'esplendor del bel cant
La primera part està dedicada íntegrament a Gioachino Rossini (1792–1868), figura central del bel cant italià i un dels compositors més influents de la primera meitat del segle XIX. La seva música es caracteritza per l'equilibri entre elegància melòdica, vitalitat rítmica i una escriptura vocal de precisió tècnica extrema.
L'obertura de La gazza borda, una de les pàgines simfòniques més populars de Rossini, introdueix l'oient al seu univers sonor. El cèlebre redoblament inicial de caixa i el crescendo progressiu que travessa tota la peça són exemples paradigmàtics de l'anomenada “fórmula rossiniana”, un procediment que combina repetició, acumulació d'energia i brillantor orquestral per crear una sensació d'expectació teatral.
L'ària Quell'alme pupille d'Il turc in Italia mostra el refinament melòdic i el caràcter galant del Rossini còmic. Es tracta d'una pàgina de gran elegància, on la línia vocal es desplega amb gràcia i lleugeresa, reflectint l'esperit seductor i desenfadat de l'obra.
La famosa ària de Don Ramiro, “Si, ritrovar-la io giuro” de La Cenerentola, representa un dels reptes més grans del repertori tenoril belcantista. La seva escriptura exigeix una perfecta coordinació entre agilitat, precisió rítmica i brillantor al registre agut. Musicalment, l'ària expressa la determinació amorosa del príncep, amb un caràcter noble i lluminós que culmina en una cabaletta de gran virtuosisme.
El final de l'acte III d'Il viaggi a Reims, amb el seu ritornell de ballet, pertany a una obra concebuda per a una ocasió festiva: la coronació de Carles X de França. En aquesta partitura, Rossini desplega un estil brillant, gairebé cerimonial, ple de color orquestral i esperit teatral. És una música concebuda per a l'espectacle i la celebració, reflex de l'opulència del context per al que va ser creada.
La primera part culmina amb la gran escena d'Arnold, “Asile héréditaire” de Guillaume Tell, obra que marca la transició de Rossini cap a una estètica més dramàtica i romàntica. Aquí el compositor abandona en part la lleugeresa del bel cant per endinsar-se en una escriptura de més intensitat emocional. L'ària exigeix al tenor no només un virtuosisme tècnic extraordinari, sinó també una gran capacitat expressiva, culminant a la cèlebre secció final, un dels moments més heroics del repertori.
Segona part: del lirisme popular a la passió romàntica
La segona part obre el ventall estilístic i geogràfic, traslladant l'oient des del teatre líric espanyol fins al romanticisme francès i italià.
Bella enamorada, de L'últim romàntic de Soutullo i Vert, és una de les romances més populars de la sarsuela. La seva melodia àmplia i apassionada, d'inspiració gairebé operística, reflecteix el sentimentalisme característic del gènere al primer terç del segle XX, on el cant es converteix en vehicle d'emoció directa i propera al públic.
A “Suena guitarrico” del Guitarrico d'Agustín Pérez Soriano, el llenguatge musical s'impregna de color local. L?escriptura evoca l?ambient festiu i popular, amb ritmes vius i un caràcter lleuger que connecta amb la tradició espanyola.
L'alegria del batalló de José Serrano combina humor, lirisme i un cert to sentimental. S'hi aprecia l'equilibri entre allò còmic i allò emotiu, tret característic de moltes sarsueles del repertori.
El Preludi de La revoltosa de Ruperto Chapí és una de les pàgines orquestrals més representatives del gènere. En pocs minuts, el compositor condensa l?ambient del Madrid castís amb una música plena de ritme, color i vitalitat, demostrant el seu mestratge orquestral.
L'ària de Kleinzach, «Il'était uneix fois a la cour d'Eisenach» dels contes d'Hoffmann de Jacques Offenbach, introdueix un canvi d'atmosfera. El protagonista, entre l?humor grotesc i el somni poètic, alterna dos mons psicològics en una mateixa escena. Offenbach combina aquí el seu talent per a la sàtira amb un lirisme malenconiós, anticipant el to fantàstic i tràgic de l'òpera.
El Preludi de La Traviata de Giuseppe Verdi ofereix un dels moments més íntims del programa. La seva delicada transparència orquestral i el seu caràcter introspectiu anticipen el drama de Violetta i es converteix en una de les pàgines més commovedores del repertori operístic.
La gran escena “Odi il vot – Sprezzo la vita” d'Ernani representa el Verdi de joventut, ple d'impuls dramàtic i passió romàntica. El tenor encarna aquí l'heroi que desafia el destí, mogut per l'amor i l'honor. L'escriptura vocal, intensa i ardent, exigeix una gran potència expressiva i un fraseig d'ampli alè.
Giuseppe Verdi
“La meva letizia infondere... Menja poteva un angelo” —de I Lombardi
Dissabte, 1 d'agost de 2026
Jan Lisiecki
Recital de piano
Drei tschechische Tänze — H. 154
I. Okročák
II. Dupák
III. Polka
Bohuslav Martinů (1890 – 1959)
Dansa Espanyola — Nr. 2 & 1 (aus La vida breu
Manuel de Falla (1876 – 1946)
Vier polnische Tänze — M60
Mazurek. Tempo di Mazurka, animat
Polonaise. Moderat. Festiu, pompós
Krakowiak. Alegretto graciós
Oberek. Vivace ed agitat
Karol Szymanowski (1882-1937)
16 deutsche Tänze — D. 783
Franz Schubert (1797 – 1828)
Rumänische Volkstänze —Sz. 56
I. Jocul cu bâtă (Der Tanz mit dem Stabe). Allegro moderat
II . Brâul (Gürteltanz). Allegro
III . Pe loc (Der Stampfer). Andant
IV . Buciumeana (Tanz aus Butschum). Molt moderat
V. Poarga românească (Rumänische Polka). Allegro
VI . Mărunţel (Schnelltanz). Allegro
Béla Bartók (1881 – 1945)
Alberto Ginastera (1916 – 1983)
Danses Argentines — Op. 2
I. Dansa del vell boier (Tanz des alten Rinderhirten)
II . Dansa de la mossa donosa (Tanz des anmutigen Mädchens)
III . Dansa del gautxo matrer (Tanz des wilden Gauchos)
INTERMEDI
Grand Valse Brillant Es-Dur —Op. 18
Frédéric Chopin (1810 – 1849)
Walzer gis-Moll —Op. 39 Nr. 3
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Walzer —Op. 34
I. As-Dur. Vivace
II . a-Moll. Lent
Frédéric Chopin (1810 – 1849)
Walzer As-Dur —Op. 39 Nr. 15
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Llibertang —Bearbeitung für Klavier: Nikolai Kuznetsov
Astor Piazzolla (1921 – 1992)
Espanya —Op. 165
II . Tango. Andantí
Isaac Albéniz (1860 – 1909)
Dansa ritual del foc —aus L'amor bruixot
Manuel de Falla (1876 – 1946)
Polonaise As-Dur —Op. 53
Frédéric Chopin (1810 – 1849)
-
La història de la música occidental està profundament lligada a la dansa. Molt abans que la simfonia o el concert es consolidessin com a formes autònomes, la música instrumental trobava la seva raó de ser en el moviment corporal. Des de les corts renaixentistes fins a les celebracions populars, ballar significava participar en una identitat col·lectiva. Amb el pas dels segles, els compositors van començar a traslladar aquestes danses a l'escenari de concert, conservant la seva energia rítmica però elevant-les a una dimensió artística més complexa. El recital d?aquesta nit explora precisament aquesta transformació. A través d'un recorregut que abasta des de Bohèmia fins a Argentina, passant per Polònia, Hongria, Espanya i Àustria, Jan Lisiecki ens convida a descobrir com la dansa es pot convertir en poesia, en evocació nostàlgica, en afirmació nacional o en espectacular desplegament virtuós.
⸻
Bohuslav Martinů (1890–1959)
Tres danses txeques, H. 154
Compostes el 1926, les Tres danses txeques reflecteixen el profund enllaç de Martinů amb les tradicions populars del seu país. Tot i que escrites durant els anys en què el compositor residia a París i absorbia les influències del neoclassicisme francès, aquestes peces mantenen intacte l'esperit de les festes rurals de Bohèmia i Moràvia.
La col·lecció comença amb l'Okročák, una dansa viva i asimètrica que sembla avançar amb impulsos irregulars i espontanis. El segueix el Dupák, caracteritzat pels cops drets i els accents enèrgics que evoquen una celebració camperola. Finalment, la Polka, potser la dansa txeca més internacional, apareix revestida de la brillantor harmònica i la imaginació rítmica característiques de Martinů.
⸻
Manuel de Falla (1876–1946)
Danses espanyoles núm. 1 i núm. 2 de La vida breve
La vida breu va ser la primera gran obra mestra de Manuel de Falla. Ambientada a Granada i profundament influïda pel flamenc andalús, l'òpera conté dos interludis de dansa que aviat van adquirir vida pròpia als escenaris de concert.
La Dansa espanyola núm. 1 desplega un llenguatge ple de sensualitat i elegància, mentre que la Dansa espanyola núm. 2 incorpora ritmes més marcats i un caràcter més extravertit. Totes dues peces condensen un dels trets més admirats de l'art de Falla: la seva capacitat per transformar elements populars espanyols en música refinada i universal.
⸻
Karol Szymanowski (1882–1937)
Quatre danses poloneses, Op. 60
En l'última etapa de la seva vida, Szymanowski va buscar una veu genuïnament polonesa inspirant-se en el folklore de les muntanyes Tatra i en les antigues tradicions nacionals. Les Quatre danses poloneses representen aquesta síntesi entre modernitat i tradició.
El Mazurek conserva el ritme característic de la masurca, tan lligat a la identitat polonesa des de Chopin. La Polonesa aporta solemnitat cerimonial i noblesa aristocràtica. El Krakowiak, associat a la regió de Cracòvia, es distingeix per la seva elegància lleugera i la seva gràcia gairebé teatral. Finalment, l'Oberek tanca la col·lecció amb una energia vertiginosa i una escriptura pianística de brillantor enorme.
⸻
Franz Schubert (1797–1828)
16 danses alemanyes, D. 783
Per a Schubert, la dansa formava part inseparable de la vida quotidiana vienesa. Aquestes breus miniatures van ser concebudes per a reunions domèstiques i vetllades socials, on el compositor improvisava el piano per a amics i familiars. Tot i la seva aparent senzillesa, les Danses alemanyes revelen una extraordinària capacitat melòdica. Cada peça posseeix una personalitat pròpia: unes són alegres i desenfadades; altres, malenconioses o contemplatives. Hi trobem l'essència del Schubert més íntim, capaç de suggerir un univers emocional complet en només uns compassos.
⸻
Béla Bartók (1881–1945)
Danses populars romaneses, Sz. 56
Poques obres representen millor la tasca etnomusicològica de Bartók. Fascinat per les músiques tradicionals d'Europa oriental, el compositor va recórrer llogarets remots gravant i transcrivint milers de melodies populars.
Les Danses populars romaneses reuneixen sis peces breus basades en melodies autèntiques recollides a Transilvània. Des del vigorós Tanz mit dem Stabe fins a l'electritzant Mărunţ el final, Bartók conserva l'autenticitat de les fonts populars mentre les integra en un llenguatge harmònic modern i sofisticat. El resultat és una de les obres més estimades i accessibles de tot el catàleg.
⸻
Alberto Ginastera (1916–1983)
Danses argentines, Op. 2
Compostes quan l'autor tenia només vint anys, les Danses argentines constitueixen una de les primeres afirmacions de la identitat musical nacional argentina al piano del segle XX.
La primera dansa retrata el vell boier, figura lligada a la vida rural de les pampas. La segona, Dansa de la mossa donosa, ofereix un moment de lirisme suspès i delicada bellesa. La tercera, Dansa del gaucho matrero, s'ha convertit en una peça emblemàtica del repertori pianístic gràcies a la seva força rítmica, els seus violents contrastos i el seu espectacular virtuosisme.
⸻
Segona part La segona meitat del recital se centra en algunes de les danses més cèlebres de la tradició pianística romàntica i moderna. Aquí la dansa deixa de ser evocació folklòrica per esdevenir símbol d'elegància urbana, passió o afirmació heroica.
⸻
Frédéric Chopin (1810–1849)
Gran Vals Brillant, Op. 18
Publicat el 1834, aquest vals va marcar el naixement del gran vals de concert. Tot i que conserva el refinament dels salons parisencs, el seu objectiu ja no és acompanyar el ball sinó enlluernar l'oient. L'obra combina elegància aristocràtica, brillantor tècnica i un sentit irresistible de l'encant melòdic. Chopin transforma el vals vienès en una forma poètica i virtuosa destinada exclusivament a l'escenari.
⸻
Johannes Brahms (1833–1897)
Vals Op. 39 núm. 3
Els Valses Op. 39 van ser concebuts inicialment per a piano a quatre mans. En ells Brahms ret homenatge a la tradició vienesa heretada de Schubert i de Johann Strauss, però afegeix una riquesa harmònica i una profunditat expressiva molt personals. El núm. 3, en sol sostingut menor, destaca per la seva atmosfera íntima i lleugerament nostàlgica.
⸻
Frédéric Chopin
Valses Op. 34 núm. 1 i núm. 2
Aquests dos valsos mostren dues facetes complementàries de l'univers chopinià. El primer, a La bemoll major, desplega una brillantor elegant i festiva. El segon, a la menor, introdueix una dimensió més introspectiva i malenconiós, revelant l'extraordinària capacitat de Chopin per convertir una dansa social en confessió poètica.
⸻
Johannes Brahms
Vals Op. 39 núm. 15
Probablement el més cèlebre de tots els valsos de Brahms, aquesta miniatura concentra una extraordinària intensitat emocional en només unes pàgines. La seva aparent senzillesa amaga una refinada arquitectura harmònica i una nostàlgia profunda que l'han convertit en una de les pàgines més estimades del repertori romàntic. ⸻ Astor Piazzolla (1921–1992) Libertango Compost el 1974, Libertango simbolitza l'emancipació artística de Piazzolla respecte al tango tradicional. El mateix títol combina les paraules “llibertat” i “tango”. L?obra sintetitza l?essència del nou tango: ritmes urbans, influències del jazz, complexitat contrapuntística i una energia irresistible. En versió pianística conserva tota la intensitat dramàtica i la força hipnòtica de la versió original.
⸻
Isaac Albéniz (1860–1909)
Tango, d'Espanya Op. 165
Paradoxalment, una de les peces espanyoles més famoses mai escrites no és un tango autèntic. Albéniz utilitza el nom per crear una evocació idealitzada d'Espanya, plena de nostàlgia i refinament melòdic. La senzillesa de la línia principal i la delicadesa del seu acompanyament han convertit aquesta obra en una de les pàgines més universals del repertori espanyol.
⸻
Manuel de Falla
Dansa ritual del foc
Extreta del ballet L'amor bruixot, aquesta peça representa un ritual màgic destinat a expulsar un esperit obsessiu.
Els ritmes obsessius, les repeticions incandescents i la creixent intensitat converteixen aquesta dansa en un dels moments més electritzants de tota la música espanyola del segle XX.
⸻
Frédéric Chopin
Polonesa a La bemol major, Op. 53 “Heroica”
El recital conclou amb una de les obres més monumentals del repertori pianístic. Composta el 1842, l'anomenada Polonesa Heroica representa el màxim exponent de la dansa nacional polonesa transformada en símbol d'orgull i resistència.
Més que una dansa per ser ballada, és una proclamació de força col·lectiva. El seu cèlebre ritme marcial, els seus amplis acords i la seva exigència tècnica extraordinària converteixen l'obra en un final apoteòsic per a aquest viatge musical arreu del món.
La dansa, nascuda com a expressió popular i col·lectiva, culmina aquí convertida en afirmació artística universal. Des dels llogarets de Bohèmia fins als salons de París, des de les pampas argentines fins als carrers de Buenos Aires, aquest programa demostra que l'impuls de ballar constitueix un dels llenguatges més profunds i compartits de l'experiència humana.
Diumenge, 2 d'agost de 2026
Tosca
Òpera en versió Concert
Director Pablo Mielgo
Repartiment
Tosca Lise Davidsen
Cavaradossi Freddie de Tommaso
Scarpia Ludovic Tézier
Angelotti Sebastià Serra
Sagrestà Tomeu Bibiloni
Spoletta Francesco Domenico Doto
Carceriere Yunho Eric Kim
Sciarrone Antimo Dell'Omo
Pastore Nadia Akaarir
Director Cor Joan Company
Orquestra Simfònica de les Illes Balears
Cor Festival Cap Rocat
Giacomo Puccini
Tosca
-
Tosca (1900)
Estrenada el 14 de gener de 1900 al Teatre Costanzi (avui Teatre dell'Opera di Roma), Tosca representa un dels punts culminants del verisme italià i, alhora, una de les més sofisticades construccions dramaticomusicals de Giacomo Puccini. Basada en el drama homònim de Victorien Sardou, l'obra articula una intensa concentració teatral en tres actes que es desenvolupen en menys de vint-i-quatre hores i en espais reals de la Roma napoleònica del 1800. Lluny de ser únicament un melodrama passional, Tosca és una obra d'extraordinària precisió estructural i refinada dramàtica rigorosa.
Context estètic i històric
Ambientada en el moment turbulent posterior a la batalla de Marengo, l'òpera contraposa forces polítiques i morals: l'absolutisme repressiu encarnat per Scarpia davant l'idealisme liberal de Cavaradossi, mentre Tosca —artista i creient— queda atrapada entre tots dos pols. Puccini absorbeix els recursos del verisme —immediatesa emocional, intensitat teatral, continuïtat discursiva— però els transcendeix mitjançant una orquestració de gran subtilesa i un ús altament elaborat del leitmotiv, hereu tant de la tradició wagneriana com del simfonisme tardorromàntic centreeuropeu. L'acció no s'atura en números tancats convencionals; flueix amb una continuïtat gairebé cinematogràfica, sostinguda per una escriptura orquestral que no acompanya, sinó que comenta, anticipa i psicològicament modela el drama.
Arquitectura musical
Acte I – Església de Sant'Andrea della Valle
El primer acte estableix la tensió política i eròtica que vertebra l?obra. El motiu de Scarpia –construït sobre acords foscos i cromatisme incisiu– irromp amb violència harmònica, creant una identitat sonora inequívoca de l'antagonista. L'imponent Te Deum final constitueix una de les pàgines més magistrals de Puccini: superposició de cor litúrgic, orgue i la veu solista de Scarpia en una culminació sonora on el sacre i el pervers coexisteixen en inquietant simultaneïtat. És una síntesi perfecta de teatralitat i arquitectura coral.
Acte II – Palau Farnese
Aquest acte gairebé claustrofòbic és el nucli psicològic de l'òpera. La tensió dramàtica es concentra a l'enfrontament entre Tosca i Scarpia, on l'orquestra actua com a espai emocional subjacent. Vissi d'art no és una simple ària lírica: és una suspensió temporal dins del drama, una pregària introspectiva que interromp la violència circumdant. La seva línia vocal, de simplicitat aparent, descansa sobre una harmonia carregada d'ambigüitat expressiva. L'assassinat de Scarpia està acompanyat per una escriptura orquestral de creixent densitat, on la tensió harmònica arriba al clímax abans de dissoldre's en una inquietant quietud.
Acte III – Castel Sant'Angelo
El tercer acte obre amb una atmosfera gairebé impressionista: campanes llunyanes, clarejar romà, textures orquestrals delicadament transparents. “E lucevan le stelle” s'inscriu a la tradició de l'ària elegíaca italiana, però amb una modernitat harmònica que subratlla la fragilitat existencial del personatge. La progressió melòdica no cerca exhibició virtuosa, sinó intensitat continguda. El desenllaç final, abrupte i sense redempció transcendent, consagra el caràcter tràgic absolut de lobra. Puccini elimina qualsevol consol metafísic: la caiguda de Tosca és definitiva, gairebé brutal a la seva economia teatral.
Llenguatge musical i dramatúrgia
Puccini construeix a Tosca un teixit simfònic compacte on els motius temàtics funcionen com a nuclis psicològics més que com a simples identificadors dramàtics. L'harmonia cromàtica, la densitat orquestral i l'atenció al color instrumental situen la partitura en diàleg amb el postromanticisme europeu. L'economia temporal –tres actes concentrats, sense digressions– reforça la intensitat narrativa. No hi ha escenes accessòries: cada moment és estructural.
Conclusió
Tosca no és només una història d'amor i de violència; és un estudi sobre el poder, la fe, la moral i la fragilitat humana. Puccini hi assoleix un equilibri singular entre immediatesa emocional i sofisticació compositiva. Més que no pas una òpera verista, és una obra d'arquitectura dramàtica rigorosa, on la música no il·lustra l'acció: la crea.