Programa 2026
Divendres, 31 de juliol de 2026
Gala lírica
Repartiment
Tenor Juan Diego Flórez
Director Pablo Mielgo
Director Cor Joan Company
Orquestra Simfònica de les Illes Balears
Cor del Festival Cap Rocat
Quell'alme pupille —d'Il turc in Itàlia
Obertura de La gazza borda
Ària de Don Ramiro. “Si, ritrovar-la io giuro” —de La Cenerentola
Final de l'acte III. Ritornello del ballet —d'Il viaggio a Reims
Ària d'Arnold. “Asile héréditaire” —de Guillaume Tell
Gioachino Rossini
INTERMEDI
“Bella enamorada” —de L'últim romàntic
Reveriano Soutullo i Juan Vert
“Sona guitarric” —d'El guitarric
Agustín Pérez Soriano
“Aquí hi ha qui ho té i no en té res” —de L'alegria del batalló
José Serrano
Preludi —de La revoltosa
Ruperto Chapí
“Il était uneix fois a la cour d'Eisenach” —de Les contes d'Hoffmann
Jacques Offenbach
Preludi —de La Traviata
“Odi il voto” - “Sprezzo la vita” -d'Ernani
Giuseppe Verdi
-
Aquest concert proposa un ampli recorregut per la tradició lírica europea, des del refinament del bel cant rossinià fins a la passió verdiana i el lirisme popular de la sarsuela espanyola. El fil conductor és la figura del tenor, protagonista d'algunes de les pàgines més exigents i emocionants del repertori operístic, capaç d'encarnar l'heroi romàntic, l'amant apassionat, el somiador idealista o el galant popular.
El programa està concebut com un viatge estilístic que mostra l'evolució del llenguatge vocal i teatral al llarg del segle XIX i principis del XX, combinant el virtuosisme del bel canto amb la intensitat dramàtica del romanticisme i la proximitat expressiva del teatre líric espanyol.
Primera part: Rossini i l'esplendor del bel cant
La primera part està dedicada íntegrament a Gioachino Rossini (1792–1868), figura central del bel cant italià i un dels compositors més influents de la primera meitat del segle XIX. La seva música es caracteritza per l'equilibri entre elegància melòdica, vitalitat rítmica i una escriptura vocal de precisió tècnica extrema.
L'obertura de La gazza borda, una de les pàgines simfòniques més populars de Rossini, introdueix l'oient al seu univers sonor. El cèlebre redoblament inicial de caixa i el crescendo progressiu que travessa tota la peça són exemples paradigmàtics de l'anomenada “fórmula rossiniana”, un procediment que combina repetició, acumulació d'energia i brillantor orquestral per crear una sensació d'expectació teatral.
L'ària Quell'alme pupille d'Il turc in Italia mostra el refinament melòdic i el caràcter galant del Rossini còmic. Es tracta d'una pàgina de gran elegància, on la línia vocal es desplega amb gràcia i lleugeresa, reflectint l'esperit seductor i desenfadat de l'obra.
La famosa ària de Don Ramiro, “Si, ritrovar-la io giuro” de La Cenerentola, representa un dels reptes més grans del repertori tenoril belcantista. La seva escriptura exigeix una perfecta coordinació entre agilitat, precisió rítmica i brillantor al registre agut. Musicalment, l'ària expressa la determinació amorosa del príncep, amb un caràcter noble i lluminós que culmina en una cabaletta de gran virtuosisme.
El final de l'acte III d'Il viaggi a Reims, amb el seu ritornell de ballet, pertany a una obra concebuda per a una ocasió festiva: la coronació de Carles X de França. En aquesta partitura, Rossini desplega un estil brillant, gairebé cerimonial, ple de color orquestral i esperit teatral. És una música concebuda per a l'espectacle i la celebració, reflex de l'opulència del context per al que va ser creada.
La primera part culmina amb la gran escena d'Arnold, “Asile héréditaire” de Guillaume Tell, obra que marca la transició de Rossini cap a una estètica més dramàtica i romàntica. Aquí el compositor abandona en part la lleugeresa del bel cant per endinsar-se en una escriptura de més intensitat emocional. L'ària exigeix al tenor no només un virtuosisme tècnic extraordinari, sinó també una gran capacitat expressiva, culminant a la cèlebre secció final, un dels moments més heroics del repertori.
Segona part: del lirisme popular a la passió romàntica
La segona part obre el ventall estilístic i geogràfic, traslladant l'oient des del teatre líric espanyol fins al romanticisme francès i italià.
Bella enamorada, de L'últim romàntic de Soutullo i Vert, és una de les romances més populars de la sarsuela. La seva melodia àmplia i apassionada, d'inspiració gairebé operística, reflecteix el sentimentalisme característic del gènere al primer terç del segle XX, on el cant es converteix en vehicle d'emoció directa i propera al públic.
A “Suena guitarrico” del Guitarrico d'Agustín Pérez Soriano, el llenguatge musical s'impregna de color local. L?escriptura evoca l?ambient festiu i popular, amb ritmes vius i un caràcter lleuger que connecta amb la tradició espanyola.
L'alegria del batalló de José Serrano combina humor, lirisme i un cert to sentimental. S'hi aprecia l'equilibri entre allò còmic i allò emotiu, tret característic de moltes sarsueles del repertori.
El Preludi de La revoltosa de Ruperto Chapí és una de les pàgines orquestrals més representatives del gènere. En pocs minuts, el compositor condensa l?ambient del Madrid castís amb una música plena de ritme, color i vitalitat, demostrant el seu mestratge orquestral.
L'ària de Kleinzach, «Il'était uneix fois a la cour d'Eisenach» dels contes d'Hoffmann de Jacques Offenbach, introdueix un canvi d'atmosfera. El protagonista, entre l?humor grotesc i el somni poètic, alterna dos mons psicològics en una mateixa escena. Offenbach combina aquí el seu talent per a la sàtira amb un lirisme malenconiós, anticipant el to fantàstic i tràgic de l'òpera.
El Preludi de La Traviata de Giuseppe Verdi ofereix un dels moments més íntims del programa. La seva delicada transparència orquestral i el seu caràcter introspectiu anticipen el drama de Violetta i es converteix en una de les pàgines més commovedores del repertori operístic.
La gran escena “Odi il vot – Sprezzo la vita” d'Ernani representa el Verdi de joventut, ple d'impuls dramàtic i passió romàntica. El tenor encarna aquí l'heroi que desafia el destí, mogut per l'amor i l'honor. L'escriptura vocal, intensa i ardent, exigeix una gran potència expressiva i un fraseig d'ampli alè.
Dissabte, 1 d'agost de 2026
Rudolf Buchbinder
Recital de piano
Twelve Variations on the theme — “Ah vous dirai-je Maman” K. 265
Wolfgang Amadeus Mozart
Sonata in F Minor —op. 57 “Appassionata”
Ludwig van Beethoven
INTERMEDI
Franz Schubert
Sonata in B-flat Major —D. 960
-
Wolfgang Amadeus Mozart
Twelve Variations on “Ah vous dirai-je, Maman”, K. 265Sota l'aparent ingenuïtat d'una melodia infantil —coneguda universalment com Twinkle, Twinkle, Little Star— Mozart desplega un exercici d'imaginació i elegància refinat. Compostes a París cap al 1778, aquestes dotze variacions revelen no només l'enginy del compositor, sinó també la seva capacitat per elevar allò quotidià a la categoria d'art. Cada variació transforma el tema amb subtilesa: ornamentació brillant, delicats jocs rítmics, canvis de caràcter i una escriptura pianística que alterna gràcia galant i virtuosisme lleuger. No és un simple divertiment, sinó un laboratori expressiu on Mozart demostra que fins i tot la simplicitat pot contenir profunditat. El resultat és un petit univers de llum i transparència, on la ironia, la delicadesa i l'equilibri clàssic conviuen amb una intel·ligència musical extraordinària.
Ludwig van Beethoven
Sonata in F minor, Op. 57 “Appassionata”Si Mozart representa l'equilibri clàssic, Beethoven encarna el trencament i la intensitat visionària. Composta entre el 1804 i el 1805, en ple període “heroic”, l'Appassionata és un dels cims del repertori pianístic i una de les declaracions més radicals de l'esperit romàntic emergent. Des del ombrívol murmuri inicial, el primer moviment estableix una atmosfera de tensió continguda que evoluciona cap a explosions dramàtiques d'una energia gairebé orquestral. Beethoven expandeix la forma sonata fins als seus límits, transformant el piano en un instrument de potència sense precedents. El segon moviment ofereix un moment de recolliment gairebé metafísic: una sèrie de variacions sobre un tema serè que sembla suspendre el temps. Però aquesta calma no és pas definitiva. Sense pausa, el darrer moviment irromp amb una força implacable, impulsat per un ritme obsessiu que condueix a una coda vertiginosa, d'una violència expressiva revolucionària per a la seva època. L'Appassionata no és simplement una obra apassionada; és una exploració de la destinació, del conflicte interior i de la voluntat indomable.
Franz Schubert
Sonata in B-flat major , D. 960Composta el 1828, poques setmanes abans de la mort del compositor, la Sonata D. 960 constitueix el testament pianístic de Schubert i una de les obres més sublims de tot el repertori. El primer moviment s?obre amb una serenitat expansiva, gairebé contemplativa. La cèlebre vibració greu que apareix al baix —com un tremolor subterrani— introdueix una dimensió d'inquietud a penes perceptible, recordant-nos que la bellesa schubertiana mai no està exempta d'ombra. L'Andante sostenido és un espai d'introspecció profunda, on el temps sembla dilatar-se i la música adquireix una qualitat gairebé transcendental. El Scherzo aporta lleugeresa momentània, abans que el Finale recuperi una energia lluminosa i vital, com si l'obra afirmés la vida davant de la fragilitat humana. En aquesta sonata, Schubert aconsegueix una síntesi extraordinària entre arquitectura clàssica i expansió poètica infinita. No hi ha dramatisme teatral a la manera de Beethoven; hi ha, en canvi, una contemplació íntima del temps, la memòria i lexistència.
Diumenge, 2 d'agost de 2026
Tosca
Òpera en versió Concert
Director Giacomo Sagripanti
Repartiment
Tosca Lise Davidsen
Cavaradossi Freddie de Tommaso
Scarpia Ludovic Tézier
Angelotti Sebastià Serra
Sagrestà Tomeu Bibiloni
Spoletta Francesco Domenico Doto
Director Cor Joan Company
Orquestra Simfònica de les Illes Balears
Cor Festival Cap Rocat
Giacomo Puccini
Tosca
-
Tosca (1900)
Estrenada el 14 de gener de 1900 al Teatre Costanzi (avui Teatre dell'Opera di Roma), Tosca representa un dels punts culminants del verisme italià i, alhora, una de les més sofisticades construccions dramaticomusicals de Giacomo Puccini. Basada en el drama homònim de Victorien Sardou, l'obra articula una intensa concentració teatral en tres actes que es desenvolupen en menys de vint-i-quatre hores i en espais reals de la Roma napoleònica del 1800. Lluny de ser únicament un melodrama passional, Tosca és una obra d'extraordinària precisió estructural i refinada dramàtica rigorosa.
Context estètic i històric
Ambientada en el moment turbulent posterior a la batalla de Marengo, l'òpera contraposa forces polítiques i morals: l'absolutisme repressiu encarnat per Scarpia davant l'idealisme liberal de Cavaradossi, mentre Tosca —artista i creient— queda atrapada entre tots dos pols. Puccini absorbeix els recursos del verisme —immediatesa emocional, intensitat teatral, continuïtat discursiva— però els transcendeix mitjançant una orquestració de gran subtilesa i un ús altament elaborat del leitmotiv, hereu tant de la tradició wagneriana com del simfonisme tardorromàntic centreeuropeu. L'acció no s'atura en números tancats convencionals; flueix amb una continuïtat gairebé cinematogràfica, sostinguda per una escriptura orquestral que no acompanya, sinó que comenta, anticipa i psicològicament modela el drama.
Arquitectura musical
Acte I – Església de Sant'Andrea della Valle
El primer acte estableix la tensió política i eròtica que vertebra l?obra. El motiu de Scarpia –construït sobre acords foscos i cromatisme incisiu– irromp amb violència harmònica, creant una identitat sonora inequívoca de l'antagonista. L'imponent Te Deum final constitueix una de les pàgines més magistrals de Puccini: superposició de cor litúrgic, orgue i la veu solista de Scarpia en una culminació sonora on el sacre i el pervers coexisteixen en inquietant simultaneïtat. És una síntesi perfecta de teatralitat i arquitectura coral.
Acte II – Palau Farnese
Aquest acte gairebé claustrofòbic és el nucli psicològic de l'òpera. La tensió dramàtica es concentra a l'enfrontament entre Tosca i Scarpia, on l'orquestra actua com a espai emocional subjacent. Vissi d'art no és una simple ària lírica: és una suspensió temporal dins del drama, una pregària introspectiva que interromp la violència circumdant. La seva línia vocal, de simplicitat aparent, descansa sobre una harmonia carregada d'ambigüitat expressiva. L'assassinat de Scarpia està acompanyat per una escriptura orquestral de creixent densitat, on la tensió harmònica arriba al clímax abans de dissoldre's en una inquietant quietud.
Acte III – Castel Sant'Angelo
El tercer acte obre amb una atmosfera gairebé impressionista: campanes llunyanes, clarejar romà, textures orquestrals delicadament transparents. “E lucevan le stelle” s'inscriu a la tradició de l'ària elegíaca italiana, però amb una modernitat harmònica que subratlla la fragilitat existencial del personatge. La progressió melòdica no cerca exhibició virtuosa, sinó intensitat continguda. El desenllaç final, abrupte i sense redempció transcendent, consagra el caràcter tràgic absolut de lobra. Puccini elimina qualsevol consol metafísic: la caiguda de Tosca és definitiva, gairebé brutal a la seva economia teatral.
Llenguatge musical i dramatúrgia
Puccini construeix a Tosca un teixit simfònic compacte on els motius temàtics funcionen com a nuclis psicològics més que com a simples identificadors dramàtics. L'harmonia cromàtica, la densitat orquestral i l'atenció al color instrumental situen la partitura en diàleg amb el postromanticisme europeu. L'economia temporal –tres actes concentrats, sense digressions– reforça la intensitat narrativa. No hi ha escenes accessòries: cada moment és estructural.
Conclusió
Tosca no és només una història d'amor i de violència; és un estudi sobre el poder, la fe, la moral i la fragilitat humana. Puccini hi assoleix un equilibri singular entre immediatesa emocional i sofisticació compositiva. Més que no pas una òpera verista, és una obra d'arquitectura dramàtica rigorosa, on la música no il·lustra l'acció: la crea.